CICLO DE VIDEO ARTE . NOVIEMBRE 2010

JUEVES 25 de noviembre | 19 HS | ENTRADA LIBRE Y GRATUITA

La Subsecretaría de Patrimonio Cultural, a través de la Dirección General de Museos anuncia que el Museo de Arte Moderno de Buenos Aires continúa su ciclo de video arte.
El día jueves 25 de noviembre tenemos el honor de presentar el estreno de LLUEVE EN MAR DEL PLATA (2010), una obra inédita de Andrés Denegri. Junto a este trabajo se proyectarán, en 35 mm Grito (2008) y Colonia (2008). Contaremos con la presencia del artista quien presentará las obras y dialogará con el público.

Andrés Denegri
LLUEVE EN MAR DEL PLATA (2010)
Se proyectarán también Grito (35mm., 2008) y Colonia (2008)

LLUEVE EN MAR DEL PLATA
Por Andrés Denegri
Murió un amigo. Mi nuevo video no puede dejar de estar empapado de este hecho. Parece egoísmo, pero en realidad es una cuestión de incapacidad. Es que sólo me siento preparado para crear a partir de las cosas que me tocan, a nivel personal, con esta contundencia. Disfruto de algún arte inteligente, y espero poder crecer como realizador para acercarme a él. Pero lo cierto es que eje real de todos mis videos es el amor. Aunque no quede plasmado de manera explícita, el origen de cada una de estas piezas audiovisuales es el gozo y el dolor que él produce. Entiendo que lo otro, el carácter formal o el sentido político, se dan naturalmente en el gesto de crear; pero siempre hay algo antes, al menos para mí. Porque siento que eso anterior es lo primordial. Hablo de aquello que la muerte de un amigo te hace recordar.
Murió un amigo. Sólo me interesa estar acá, junto al río fresco, bajo este árbol imponente, para contemplar el cielo majestuoso y el furioso movimiento del mar. Es de día y es de noche, con la gente que amo escuchamos caer el aguacero. Porque llueve en Mar del Plata.

Llueve en Mar del Plata es un video construido a partir de dos mil sesenta y cuatro fotografías y una grabación casera de audio, que retratan cinco situaciones cotidianas, testimonios breves de lo primordial: el tiempo compartido con las personas que uno ama.
Este video fue producido con el apoyo de la Universidad Nacional de Tres de Febrero y el Academic Film Center (Serbia), durante una residencia que el realizador desarrolló en Belgrado.

Programa
Llueve en Mar del Plata
2010
12min.
Grito
(proyección en 35 mm)
2008
20min.
Colonia
2008
2min.

CICLO DE VIDEO ARTE . OCTUBRE 2010

Subsecretaría de Cultura
Dirección General de Museos
Museo de Arte Moderno de Buenos Aires
Alianza Francesa
CICLO DE VIDEO ARTE
Octubre 2010

JUEVES 28 de octubre | 19 HS | ENTRADA LIBRE Y GRATUITA

La Subsecretaría de Patrimonio Cultural, a través de la Dirección General de Museos anuncia que el Museo de Arte Moderno de Buenos Aires continúa su ciclo de video arte.
El día jueves 28 de octubre tenemos el honor de presentar el estreno de CASA ABANDONADA y LOCACIONES PARA UN LEJANO OESTE, dos nuevos trabajos de Pablo Ziccarello que se exhibirán con percusión en vivo. El artista presentará las obras y dialogará con el público.


Pablo Ziccarello
CASA ABANDONADA / LOCACIONES PARA UN LEJANO OESTE
Video y percusión en vivo
El transcurrir del tiempo, la transformación de los objetos por el impacto de la luz, el ritmo lumínico, son preocupaciones que aparecen desde los años veinte del siglo pasado en el cine, cuando desde distintas disciplinas se indagaban las posibilidades artísticas y el sentido específico de este nuevo lenguaje.
Antes de que tomara primordialmente la vía del espectáculo narrativo, el cine se reveló como un medio especialmente apto para pensar acerca de las características de la visión, la percepción del tiempo y del movimiento.
“Materia o espíritu, la realidad se nos aparece como un perpetuo devenir. Ella se hace o se deshace, pero jamás es algo hecho.” , decía Henri Bergson a principios del siglo XX, refiriéndose al mecanismo cinematográfico del pensamiento. Pablo Ziccarello hace suya esta idea en sus películas, donde el tiempo aparece justamente como tejido orgánico de lo real.
Casa abandonada (2010) se compone de una sucesión de paisajes en donde aparecen restos de construcciones de adobe, ruinas que alguna vez fueron la morada de alguien. Con una cámara super 8 Ziccarello se adentró en los montes para registrar estos espacios durante exposiciones prolongadas que dan cuenta de detalles sólo visibles a través del cine. Filmó, según sus propias palabras, las casas como huesos al sol, como restos de cuerpos sometidos al movimiento que les imprimen la luz y el tiempo. El resultado es un nuevo espacio donde las variaciones visuales son infinitas y asombrosas. A partir de procedimientos mecánicos de obturación y exposición, aquello que definiríamos como inmóvil se ve transformado en forma y color por el paso de una nube, el viento o la transición del día a la noche. Todas las casas son finalmente, una casa, un cuerpo desarticulado que cobra espesura (táctil, incluso pictórica) en la película. Los tambores que suenan en vivo durante la proyección parecen surgir de las entrañas mismas de la tierra. Del mismo modo que el trabajo del sonido en Locaciones para un lejano oeste (2007), obra que acompaña esta presentación, funcionan como presencias fantasmagóricas que reenvían al imaginario y la memoria silenciosa de los espacios. V.S

casa abandonada
super 8 color
sin sonido y percusion en vivo ('The Martes')
2010
dirección y cámara Pablo Ziccarello
edición Pablo y Sebastián Ziccarello

locaciones para un lejano oeste
digital 8 y super 8 color
sonido (fragmento musical de 'Beirut')
2007
dirección, cámara y edición Pablo Ziccarello

Pablo Ziccarello
Nace en Bs.As. en 1972, estudia en la Escuela Nacional de Bellas Artes y egresa con el título de Profesor de pintura. En paralelo asiste a los talleres de Juan Doffo, Pablo Siquier, y Diana Aisenberg. Desde 1995 exhibe su trabajo en espacios diversos, y participa de grupos de artistas tales como Cero barrado, Espacio La tribu, Duplus, Proyecto Trama y Club del dibujo, entre otros.
En 2003 le es otorgada una beca de la Rijksakademie van Beeldende Kunsten de los Países Bajos donde reside hasta el 2005.
Su trabajo se desarrolla en el ámbito de las artes visuales en sentido amplio, donde la fotografía, el dibujo, la pintura, el film y el video conviven al mismo tiempo con la docencia, investigaciones sonoras y teoría del arte.
El autor agradece especialmente a: FKVB (Paises Bajos), Fundacion Wiphala (Tafi del Valle), TheMartes, transportes Wipi.

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Ministerio de Cultura
Gobierno de la Ciudad Autónoma de Buenos Aires

CICLO DE VIDEO ARTE . SEPTIEMBRE 2010

JUEVES 23 de septiembre | 19 HS | ENTRADA LIBRE Y GRATUITA

VIDEO ARTE ISRAELI

Subsecretaría de Cultura- Dirección General de Museos

Museo de Arte Moderno de Buenos Aires- Alianza Francesa

Con la colaboración de la Embajada de Israel en Argentina


La Subsecretaría de Patrimonio Cultural, a través de la Dirección General de Museos anuncia que el Museo de Arte Moderno de Buenos Aires continúa su ciclo de video arte.

El día jueves 23 de septiembre tenemos el honor de presentar VIDEO ARTE ISRAELI un programa con obras inéditas en Argentina curado por Sergio Edelsztein, director del Centro de Arte Contemporáneo de Tel Aviv. Contaremos con la presencia del curador que presentará los videos y dialogará con el público

Curador invitado: Sergio Edelsztein

Coordinación: Victoria Simon


El video arte en Israel tiene una corta historia. Luego de un breve episodio en los años ‘70 que incluyó trabajos artísticos hechos principalmente en Super 8, la imagen en movimiento desapareció de la escena local. El uso del video por artistas resurgió hacia el principio de los ’90 y hacia la mitad de la década, la primera generación de video artistas israelíes ya estaba formada.

Desde el punto de vista temático, el uso del video y sus contenidos deben verse dentro de una constelación cultural más amplia, un cambio de paradigma político y cultural que tuvo lugar a mediados de los años ’90. Por un lado, estos cambios fueron consecuencia de los acontecimientos que conmovieron la región en la segunda mitad de la década: los acuerdos de Oslo, el asesinato de Yitzhak Rabin, la erupción de la segunda Intifada. Como es de esperar, estos eventos tuvieron un gran impacto en la sociedad, pero fue sobre todo la manera en que fueron reflejados por los medios de comunicación lo que influenció el lenguaje artístico.

Hacia el año 2000, la práctica del video ya se ha arraigado en Israel. Con el colapso del proceso de paz y la inserción en el mercado global del arte, los artistas israelíes, a la par de mantener el contacto con la realidad política local comienzan a enfocar otras realidades y, sobre todo, a indagar en temas ligados a las diferentes identidades personales y colectivas: identidades culturales, nacionales, económicas, sociales y sexuales.

El presente programa es una selección fiel a la complejidad implícita en esta realidad. La obras presentadas hacen referencia al lenguaje cinematográfico y televisivo, y las temáticas oscilan entre lo personal y lo colectivo, las realidades más palpables y las soluciones más utópicas. - Sergio Edelsztein

Sergio Edelsztein nació en Buenos Aires, Argentina en 1956. Realizó sus estudios en la Universidad de Tel Aviv (1976-85), donde fundó la galeria Artifact (1987–1995). En 1996 creó el Centro de Arte Contempráneo de Tel Aviv que dirige hasta hoy. En el marco del CCA fue curador de 7 bienales de Performance (Blurrr 1-7) y 5 Bienales de video arte (Video Zone), asi como de numerosas exhibiciones. Comisarió los pabellones de Israel en la 24a Bienal de San Pablo (1998) y en la 51a Bienal de Venecia (2005). Disertó, presentó, publicó escritos sobre arte y organizó eventos y exhibiciones en Israel, España, Brasil, Italia, Austria, Alemania, China, Estados Unidos y Rusia, entre otros países



PROGRAMA


Doron Solomons. Father (2002) 13 min. Este trabajo se centra en los miedos existenciales que comparten los padres israelíes y palestinos frente al peligro físico y psicológico al están expuestos sus hijos a través de las imágenes televisivas sobre el conflicto que involucra ambas sociedades.

Dana Levy. Hell Angels (2002) 3:30 min.Una obra conmovedora donde el artista y algunos niños desarrollan una relación lúdica contra el fondo del campo de refugiados de Jenin, apenas terminada una feroz batalla.


Avi Mograbi. Details 2 & 3 (2004) 9:50 min.Dos detalles de una obra más extensa del artista. En la primera parte vemos la reacción de algunos soldados al perder su anonimato e impunidad, mientras que la segunda muestra a Mograbi perdiendo su temple ante a la indiferencia de los soldados frente a niños palestinos desamparados.


Yossie Attia & Itamar Rose. The State of Judeo-Arabia (2007) 4:30 min. Bajo la identidad de reporteros de TV, Yossie Attia e Itamar Rose se dirigen a una ciudad árabe e interrogan a los locales sobre la forma que tendría para ellos un verdadero estado binacional, con preguntas tales como quién sería el jefe de gobierno, quién sería declarado el enemigo y qué minorías serían oprimidas en una situación semejante.


Guy Ben-Ner. Stealing Beauty (2007) 18:00 min.Señalando cuestiones relativas a los excesos del capitalismo, la obra describe una familia que decide seguir el sueño moderno y se muda a vivir a una tienda IKEA. Ben Ner inculca a sus hijos una doctrina condimentada con más que una pizca de hipocresía frente a la noción de bienestar y el significado de la propiedad privada.


Yael Bartana. Wall and Tower (2009) 15 min. En esta obra, un grupo de jóvenes israelíes construyen un asentamiento en el centro de Varsovia continuando un trabajo anterior de Bartana, Mary Koszmary, donde la artista muestra el discurso de un politico polaco llamando a los 3.500.000 judíos asesinados durante la Segunda Guerra Mundial a volver y reconstruir sus vidas en Polonia.


Uri Katzenstein. Hope Machines (2007) 7:50 min. Una realidad post apocalíptica en la cual los individuos son confinados en pequeñas islas artificiales ubicadas en la vastedad del océano. Son sobrevivientes, seres cuyas vidas cambiaron radicalmente por un evento fatídico innombrado, un holocausto nuclear, un derretimiento del ártico o cualquier otra catástrofe.


ACTIVIDAD REALIZADA CON LA COLABORACIÓN DE LA EMBAJADA DE ISRAEL EN ARGENTINA

ALIANZA FRANCESA DE BUENOS AIRES

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CICLO DE VIDEO ARTE . AGOSTO 2010

JUEVES 26 de agosto | 19 HS | ENTRADA LIBRE Y GRATUITA

Subsecretaría de Cultura
Dirección General de Museos
Museo de Arte Moderno de Buenos Aires
Alianza Francesa

La Subsecretaría de Patrimonio Cultural, a través de la Dirección General de Museos anuncia que el Museo de Arte Moderno de Buenos Aires continúa su ciclo de video arte.
El día jueves 26 de agosto tenemos el honor de presentar 7 MIRADAS -sobre la historia y el presente-

7 Miradas
- sobre la historia y el presente-

Curaduría: Andrés Denegri / Victoria Simon

En el marco de un año protagonizado entre otras cosas por los festejos sobre los doscientos años de la revolución de mayo, proponemos una reflexión sobre la historia, la identidad y la memoria a partir del diálogo entre siete piezas breves de video. Cada una ha sido realizada por diferentes artistas especialmente convocados para este proyecto.

Las obras abordan distintas cuestiones: el cruce de lo personal y lo colectivo, la transformación, la hibridación, la fragilidad de las imágenes y del sentido, y lo hacen a partir de poéticas que apuntan a generar interrogantes tanto sobre los temas que atraviesan como sobre la práctica artística en sí misma. A partir de qué imágenes trabajamos las propias? Con qué material construimos nuestros relatos, nuestros juicios, aquellas instancias que determinan nuestra identidad personal y colectiva? Cuánto de lo público se instala en la construcción de lo íntimo?

En el conjunto de artistas que trabajaron en este proyecto se incluyen distintas generaciones de videastas, desde autores ya consagrados cuya impronta dentro de la historia del video argentino es indiscutible, como Carlos Trilnick, artistas consolidados con proyección internacional como Hernán Khourian o Gustavo Galuppo, jóvenes autores que se destacan dentro de la producción contemporánea como Javier Olivera, Victoria Sayago y Enrique Bernacchini, hasta realizadores emergentes, como Javier Plano.


Programa
- Las ramas de los árboles, de Victoria Sayago
- Sin título (WDC), de Enrique Bernacchini
- Frisos electrónicos, de Carlos Trilnick
- 5 acciones (sobre la memoria colectiva), de Javier Plano
- Ser Prócer, de Javier Olivera
- Caminando, de Hernán Khourian
- Los reflejos frágiles, de Gustavo Galuppo

CICLO DE VIDEO ARTE . JULIO 2010

Subsecretaría de Cultura
Dirección General de Museos
Museo de Arte Moderno de Buenos Aires
Alianza Francesa

JUEVES 15 de julio | 19 HS |

VIDEO ARTE DEL LIBANO
Trabajos de jóvenes artistas de la Academia Libanesa de Bellas Artes (ALBA)
Curaduría: Jacko Restikian y Ricardo Mbarkho
Coordinación: Victoria Simon

Por Jacko Restikian
Después del acuerdo de « Taïf » en 1989 que anunció el final de la guerra civil en el Líbano (1975-1989), el llamado arte de la posguerra toma un nuevo impulso negociando con la densa y post traumática herencia de los años precedentes. El video, como medio nuevo, gana un espacio en el terreno del arte del Líbano a principios de los años 90. En 2002, un Master en Artes y Nuevos Medios: animación, videoarte, fotografía, se abrió en la Escuela de Artes Plásticas y Artes Aplicadas de la Academia Libanesa de Bellas Artes (ALBA).
Las prácticas de los artistas-videastas recibidos en el Master de ALBA (entre 2004 y 2008) cuyas obras presentamos en esta programación, reflejan una imagen de los intereses sociopolíticos de la práctica artística contemporánea en el Líbano. Más allá de las diferencias estéticas: documental o ficción, video performance, etc., estas prácticas parten de cuestionamientos sobre la ciudad y sus habitantes después de quince años de terminada la guerra civil. Las preguntas acerca de la complejidad del proceso de reconstitución de la imagen de su ciudad la interpelan a través de vistas, rastros/ruinas, de los hábitos del cuerpo. Los videos asumen por un lado, de modo subjetivo, el relato respecto a la memoria, el trauma, la fragmentación del discurso, y por el otro, la capacidad de tratamiento estético de la representación a través del medio videográfico.
Por otra parte, los períodos de guerra que ha vivido el Líbano no cesaron nunca desde el establecimiento de la constitución libanesa en 1926; la guerra civil (1975-1989) fue una entre otras. Los artistas-videastas trabajan en este contexto donde el modo de producción no está al margen de la inestabilidad en materia de seguridad, de economía y mismo de la cultura. Un contexto de precaria estabilidad persiste y zambulle a los artistas en un estado de guerra inacabada y en la incapacidad de inhumar un pasado que se continúa.

Curadores
Nacido en Beyrouth, Ricardo Mbarkho es artista y docente. Enseña arte en la Academia Libanesa de Bellas Artes, (ALBA), Beyrouth.
Nacido en el Líbano, Jacko Restikian practica las artes visuales, vive y trabaja en Montréal. Actualmente lleva a cabo una investigación doctoral teórico práctica en la Universidad de Québec, Montréal, Canadá

Actividad realizada en cooperación con Continente, Centro de investigación y desarrollo de proyectos vinculados a las artes audiovisuales de la Universidad Nacional Tres de Febrero
y ALBA (Académie Libanaise de Beaux-Arts).

Programa

1- Fragments d'un certain néant, de Nahed Mansour

2- Takassim, de Charbel Chamoun

3- Drugs and nature, de Ziad Abillama

4- Images, de Serena Abi Chebel

5- Hiber{nation}, de Dona Timani

6- Beyrouth Medusa, de Jean-Nöel Aoun

7- Infijar (Explosion), de Mansour El-Habre

8- ... Un charme irrésistible ..., de Thérésia Antably

Subsecretaría de Cultura
Dirección General de Museos
Museo de Arte Moderno de Buenos Aires
Alianza Francesa

CICLO DE VIDEO ARTE
Junio 2010

HERNAN KHOURIAN
Memoria y Esplín



La Subsecretaría de Patrimonio Cultural, a través de la Dirección General de Museos anuncia que el Museo de Arte Moderno de Buenos Aires continúa su ciclo de video arte.
El día jueves 24 de junio tenemos el honor de presentar el estreno de MEMORIA la última obra de Hernán Khourian. Se proyectará junto a Esplín (2007), en presencia del realizador quien dialogará con el público.

JUEVES 24 de junio | 19 HS | ENTRADA LIBRE Y GRATUITA

ALIANZA FRANCESA DE BUENOS AIRES
Av. Córdoba 946. Ciudad Autónoma de Buenos Aires.
Coordinación: Victoria Simon

Programa

Memoria. año 2010, duración 14’

La exploración sobre las últimas imágenes de la madre del realizador antes de internarse en un hogar de ancianos sirve de ensayo para crear un posible retrato entre sensación e intelección.

Esplín o errar o sin embargo. año 2007, duración 18'

Esplín, o errar o sin embargo es un video performático con rasgos autoreferenciales realizado en el taller-alojamiento de la Cité Internationale des Arts en París.
La obra indaga sobre la puesta del yo en situación y la especificidad del video en intersección con la pintura, el cine y la web.
El video se desarrolla íntegramente en el interior del taller del videasta limitando el tiempo y el espacio a trayectos e imposibilidades que se van sucediendo secuencialmente desde lo doméstico y lo íntimo.


Hernán Khourian
Nació en la ciudad de La Plata en 1972 donde se Licencia en Comunicación Audiovisual en la Facultad de Bellas Artes (Unlp). Completa su formación obteniendo el Master en Documental de Creación en la Universidad Pompeu Fabra, Barcelona. Su trabajo han recibido el apoyo de la Fundación Antorchas en dos oportunidades y de la Jan Vrijman de Holanda (Idfa). Ha obtenido diversos premios entre ellos en el Salón Nacional de artes visuales de Argentina en el año 2000. En el 2006 ha sido ganador de una beca de residencia artística realizada en Cité Internationale des Arts, París.
En los últimos años se desempeña a su vez como docente en la Universidad del Cine, en la Universidad Nacional de Lanús y en la Universidad Nacional de La Plata.

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CiCLO DE VIDEO ARTE . MAYO 2010

Subsecretaría de Cultura
Dirección General de Museos

Museo de Arte Moderno de Buenos Aires
Alianza Francesa

CICLO DE VIDEO ARTE
Mayo 2010

MIRAR
Sobre la observación, la representación y el punto de vista

La Subsecretaría de Patrimonio Cultural, a través de la Dirección General de Museos anuncia que el Museo de Arte Moderno de Buenos Aires continúa su ciclo de video arte.

El día jueves 27 de mayo tenemos el honor de presentar “MIRAR. Sobre la observación, la representación y el punto de vista” una selección de tres obras inéditas en Argentina que reflexionan sobre la producción contemporánea de imágenes: Cuentos Crueles de Lupe Pérez García, Límite 1ra.persona, de Elías Siminiani y Pentimenti, de Carolina Saquel.
Contaremos con la presencia de la artista Lupe Pérez García quien dialogará con el público.

JUEVES 27 de mayo | 19 HS | ENTRADA LIBRE Y GRATUITA

ALIANZA FRANCESA DE BUENOS AIRES
Av. Córdoba 946. Ciudad Autónoma de Buenos Aires.
Coordinación: Victoria Simon


Programa

CUENTOS CRUELES (21 minutos – 2008)
Quizás el mayor logro de Perseo no fuera cortar la cabeza de Medusa, sino superar sus miedos y mirar su reflejo en el escudo. ¿Y no fue precisamente esa proeza lo que le permitió decapitar al monstruo? - Georges Didi Huberman

Lupe Pérez García (Buenos Aires, Argentina, 1970)
Realizadora de cine documental, con su primer largometraje "Diario Argentino” ha ganado el Prix du Jeune Public en el Festival "Visions du Reel" (Nyon, Suiza) y la Mención Especial del Jurado en el Festival Alcances 2006 (Cádiz, España).
En junio de 2010, en el Nivell Zero de la Fundación Suñol de Barcelona, inaugura una videoinstalación llamada “Cuentos Crueles: Las dos misiones del explorador” que continúa la saga del cortometraje experimental “Cuentos Crueles”, el cual formó parte
de la exposición Etrange familiarité en el marco del FIDMarseille 2009, en el certamen oficial de cortos nacionales de Documenta Madrid y fue finalista para el Premio de Cine-ensayo de la Universidad Autónoma de Barcelona.
Actualmente prepara el largometraje documental histórico “Desde la Victoria”, coproducido por Cataluña y Argentina.
Como montadora del largometraje documental “El cielo gira” de Mercedes Alvarez, ha ganado la Medalla al Mejor Montaje en el Círculo de Escritores Cinematográficos Españoles (2006).
Vive en Barcelona.


PENTIMENTI (9 minutos – 2004)
El punto de partida de Pentimenti es la pose en tanto metáfora de la construcción de toda obra; la pose como elemento central en el género del retrato y más particularmente en su variante el retrato ecuestre. Fascinante relación contractual que existe entre modelo y pintor, asi como la relación espacio temporal que se despliega durante la construcción de la imagen y que permanece silenciosa en el resultado final. Como también permanece silenciosa en el adiestramiento, disciplina de aprendizaje a través de etapas sucesivas durante un periodo de tiempo preciso. Constante pasaje y vaivén desde la noción de movimiento a la noción de posición, en que el adiestramiento deviene un proceso sin fin, en eterna reedición.
La cámara, fija en encuadre y posición, es observador distante de la repetición, de la insistencia, de los dentros y fueras de cuadro que evidencian que los bordes de éste son limites que nos muestran sólo la parte de un proceso que continúa aún fuera del campo de la representación.

Carolina Saquel (Concepción, Chile, 1970)
Estudia Derecho y obtiene el título de abogado antes de comenzar sus estudios formales de arte en Santiago, Chile.
El video se transforma en el principal medio y campo de acción de su obra.
En paralelo, y como una extensión de la obra videográfica, otros medios como fotografía y serigrafía, forman parte de su reflexión personal sobre la imagen en movimiento.
El 2003 es seleccionada en Le Fresnoy, Studio national des arts contemporains (Francia), programa de residencia y centro de producción de obras que enfatiza el cruce entre arte contemporáneo, nuevos medios y cine. El 2006 obtiene la residencia en la Cité Internationale des Arts, Paris, ciudad en la cual actualmente reside.
Su trabajo ha sido presentado en exposiciones personales y colectivas, así como en festivales de cine y videoarte tanto en América del Sur, como Europa y Canadá.


LÍMITES: 1ª PERSONA (7 minutos 45 segundos, 2009)
De quien una vez amó a una mujer en un desierto con una cámara.
Premios
Mejor cortometraje ALCINE 39 - Mejor videocreación REC - Mejor corto experimental FICA - Mejor corto de ficción PICNICK - Mención especial del jurado ABYCINE- Mención especial del jurado FASCURT - Estreno en el Festival de Cine de Las Palmas
Proyección inaugural de DOCUMENTA- Sección oficial en Locarno, IDFA y Kassel
Seleccionado para D-Generación (Institutos Cervantes), X-Centric, 50 años del otro cine español (CCCB), Cinema Global 2010 (Mexico), Feria de Arte Contemporáneo “Fresh Paint” 2010 (Telaviv)

Elías León Siminiani (Santander, España,1971)
Elías León Siminiani estudió dirección de cine en la Universidad de Columbia, Nueva York. En su trabajo de ficción para cine se destaca Dos más (Mejor Drama en los EMMY 2002 para estudiantes; Mejor Director Latino 2002 DGA Students Awards USA; Premio del Público (Versión Española), Archipiélago y Ludoterapia (mejor corto en Europa Cinema 2007). En no ficción se destaca la serie de microdocumentales Conceptos Clave del Mundo Moderno cuyas tres primeras entregas (La oficina, El permiso y Digital) han obtenido más de 50 galardones internacionales.


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CICLO DE VIDEO ARTE . ABRIL 2010

Subsecretaría de Cultura
Dirección General de Museos
Museo de Arte Moderno de Buenos Aires
Alianza Francesa
CICLO DE VIDEO ARTE
Abril 2010

MEMORIAS PERDIDAS
Películas del Premio LAFVA (Film London)
Curadores: Rose Cupit, Maggie Ellis y Luciano Zubillaga

La Subsecretaría de Patrimonio Cultural, a través de la Dirección General de Museos anuncia que el Museo de Arte Moderno de Buenos Aires continúa su ciclo de video arte.
El día jueves 22 de abril tenemos el honor de presentar “MEMORIAS PERDIDAS”, una selección de tres películas premiadas por LAFVA (Film London) en 2008. Contaremos con la presencia del realizador Luciano Zubillaga quien presentará las obras y dialogará con el público.

JUEVES 22 de abril | 19 HS | ENTRADA LIBRE Y GRATUITA

ALIANZA FRANCESA DE BUENOS AIRES
Av. Córdoba 946. Ciudad Autónoma de Buenos Aires.
Coordinación: Victoria Simon

Las tres películas que componen este programa sugieren, investigan, exploran en forma delicada y múltiple conceptos y mundos de la memoria alejados de la estética del cine comercial y narrativo que domina las artes cinematográficas.
Han sido producto del último año del premio LAFVA (London Artists Film and Video Awards, que terminó su existencia en 2008), y son parte de la producción de Film London Artists’ Moving Image Network.

Sobre Film London Artists’Moving Image Network
La Film London Artists' Moving Image Network (FLAMIN) ayuda a artistas establecidos en Londres que trabajan con la imagen en movimiento en todas sus formas, ya sea película, video, digital, nuevas tecnologías, instalaciones, animación, cine, exhibiciones en galerías de arte o distribución.
Establecidos desde el año 2000, FLAMIN tiene como objetivo apoyar y encargar nuevos trabajos a los artistas más prometedores cuyas obras demuestren un compromiso con la superación de las fronteras, los formatos y las convenciones de la forma cinematográfica.
En 2009 FLAMIN lanzó FLAMIN Productions, un único esquema que aloja fondos y ayudas para dar a los artistas la libertad de experimentar con la imagen en movimiento. Con el apoyo del Arts Council England, el esquema financia trabajos de gran escala y pantalla única, que representan un paso importante en el desarrollo de la práctica de los artistas.
Para más información: www.flamin.filmlondon.org.uk/

Programa:

Música para un Film Perdido / 29’ / Luciano Zubillaga / 2009
El Huerco*, que fue el primer film experimental Venezolano, se perdió. Sólo existe su música, guión musical y las memorias de aquellos que la vieron y/o contribuyeron a su realización.
Música para un Film Perdido es una combinación de palimpsesto, tributo, interrogación, continuación y reemplazo en el contexto de una memoria cultural en estado de abandono.
* Producida en 1962, El Huerco que significa muerte, abandono e infierno se proyectó en Venezuela y fue la única pelicula Latinoamericana selecionada para el legendario Festival de Knokke de Cine Experimental en 1963.
http://www.lucianozubillaga.com


Más Se Perdió (we lost more) / 14’ / Stephen Connolly / 2008
Más Se Perdió (we lost more) explora un cierto número de opciones cinematográficas para mostrar un lugar, La Habana, Cuba. Un área de ejercicio público es filmada en un plano único en tiempo real. Las ruinas de la Escuela Nacional de Ballet, ejemplo de una forma de la arquitectura moderna cubana, son exploradas a través de movimientos espaciales y narrativos. Una escena callejera es repetida tres veces con diferentes tratamientos sonoros, cuestionando cada vez la suficiencia de la representación.
http://www.bubblefilm.net


White Shoe Station / 15’ / Sarah Preibsch / 2009
Inspirada en la historia del misterioso hombre que, en 2005, se hizo conocido como “el hombre del piano”, White Shoe Station combina imagen, música, texto y voz para crear una narrativa oblicua y conmovedora. Juntos, estos tres elementos ubican el film en un lugar y tiempo inclasificables, donde se rastrea el quiebre de un hombre que no quiere más ser llamado o llamar.
White Shoe Station es una colaboración entre Sara Preibsch, artista visual sueca radicada en Londres; Avi Tchamni, compositor israelí que vive en Tel Aviv/ Santa Cruz y Tilman Rammstedt, escritor de ficción alemán radicado en Berlín.
http://flamin.filmlondon.org.uk

CICLO DE VIDEO ARTE . MARZO 2010

Subsecretaría de Cultura
Dirección General de Museos
Museo de Arte Moderno de Buenos Aires
Alianza Francesa

CICLO DE VIDEO ARTE
Marzo 2010

LA CIUDAD MODERNA
Películas experimentales de la colección del Centro Georges Pompidou
Curador: Philippe-Alain Michaud


JUEVES 25 de marzo | 19 HS | ENTRADA LIBRE Y GRATUITA
ALIANZA FRANCESA DE BUENOS AIRES
Av. Córdoba 946. Ciudad Autónoma de Buenos Aires.
Coordinación: Victoria Simon

La Subsecretaría de Patrimonio Cultural, a través de la Dirección General de Museos anuncia que el Museo de Arte Moderno de Buenos Aires continúa su ciclo de video arte.
El día jueves 25 de marzo tenemos el honor de presentar “LA CIUDAD MODERNA”, una selección de películas experimentales de la colección del Centro Georges Pompidou de Paris, curada por Philippe- Alain Michaud curador y encargado de la colección de films del Museo Nacional de Arte Moderno, Francia.
Contaremos con la presencia del señor Michaud quien presentará las películas y dialogará con el público.

Las obras serán proyectadas en su formato original.

Programa:
Manhatta
Charles Sheeler et Paul Strand, 1921, 16 mm, blanco y negro, mudo, 9 minutes (18 i/s)
Colaboración del pintor Charles Sheeler y el fotógrafo Paul Strand, « Manhatta », considerada por muchos como el primer film de vanguardia filmado en Estados Unidos, es la adaptación de un himno a la ciudad moderna de Walt Whitman. El film se presenta en 1921 en Paris, bajo el título « Humos de New York », en medio de la famosa noche « du cœur à barbe » organizada por Tristan Tzara

Jeux de reflets et de la vitesse
Henri Chomette, 1923-1925, 35 mm, blanco y negro, mudo, 7 minutes ( 18 i/s)
En 1926 Henri Chomette (hermano de René Chomette, llamado René Clair) y Man Ray presentan un film realizado en colaboración llamado « A quoi rêvent les jeunes films ? ». Por diferencias surgidas entre quien encargó el film y los dos artistas, la obra se escindió en dos partes : Man Ray hizo « Emak Bakia » (un cine-poema) y Henri Chomette « Jeux de reflets et de la vitesse », retrato de Paris, utilizando las propiedades de la refracción y el movimiento para transformar las vistas urbanas en una proposición puramente plástica

Nuits électriques
Eugène Deslaw, 1927, 35 mm, blanco y negro, mudo, 10 minutes (18 i/s)
En 1927 Eugène Deslaw, cineasta experimental de origen ucraniano, realiza un cine-poema sobre el tema neo baudeleriano las luces de la ciudad. Sobre un fondo de cielo nocturno fija sobre la película vitrinas, la iluminación urbana y los carteles luminosos de Paris, Berlín, Londres y Praga. « El film con actores », escribe Deslaw, « no me tienta en absoluto. Estimo que la noche moderna, poblada de luces extrañas y cantantes, la noche moderna que no se parece verdaderamente a ninguna otra noche de la historia, es más fotogénica aún que el rostro de una bella mujer ».

Le pont
Joris Ivens, 1929, blanco y negro, mudo, 12 minutes (18 i/s)
Un puente ferroviario articulado de Amsterdam es el punto de partida de este estudio sobre las formas geométricas del piso que une las dos orillas. La cámara se detiene en un plano general sobre el mecanismo del torno que permite levantar el puente dejando pasar los barcos, y sobre las bielas, ejes y topes de la locomotora que lo atraviesa. El plano inaugural del film presenta en plano general el objetivo de la cámara y señala así que el proyecto de Ivens, conforme a los principios de la Nueva Objetividad, no se reduce a una descripción documental del mundo sino que tiene por objetivo explorar a través del film nuevos modos de percepción.

Marseille vieux port
Laszlo Moholy-Nagy, 1929, 16 mm, blanco y negro, mudo, 14 minutes
En este primer film realizado por Moholy -Nagy, la descripción documental de la vida cotidiana en Marsella deviene un estudio del célebre puente trasbordador que para toda una generación de fotógrafos y cineastas fue el icono mismo del modernismo. « El célebre puente trasbordador centellea en medio del paisaje. Viene y va infatigablemente de una orilla a la otra. Los extranjeros admiran su belleza. Este puente suspendido es verdaderamente un milagro técnico de una precisión y fineza excepcionales. La elegante construcción, en la cual las barras de acero sostienen el puente móvil, ofrece un espectáculo muy atractivo ; es un placer mirar la plataforma llena de gente partir hacia el otro lado, sobre el agua, balanceándose y flotando ligeramente. » Lazlo Moholy-Nagy


New York Portrait 1
Peter Hutton, 16 mm, blanco y negro, mudo, 15 minutes
La obra de Peter Hutton, iniciada a comienzos de los años 70, está esencialmente constituida por retratos de ciudades filmadas en blanco y negro, en planos fijos y mudos, separados por cuadros negros. Sus films hacen una referencia explícita a la historia de la fotografía (Stieglitz, Steichen…) pero se mantienen irreductibles a su origen visual : los planos fijos, siempre atravesados por un movimiento, a veces imperceptible, son concebidos como haïkus destinados a recoger un instante imponente que sólo se revela al espectador atento.

16 X
Igor et Svetlana Kopystiansky, 16 mm, blanco y negro, mudo, 6 minutes
Este film de factura constructivista, realizado en Moscú en 1987 por dos artistas hoy instalados en New York, es una sucesión de planos del tendido de cables eléctricos del tranvía, encuadrados sobre el cielo en contrapicado. Percibimos por momentos la parte superior del tranvía deslizándose a lo largo del cuadro. La distancia de los cables con la cámara introduce variaciones de contrastes sutiles entre los trazos negros que rayan la neutralidad del cuadro, reduciendo la ciudad a una construcción geométrica y dinámica.

Philippe Alain Michaud es curador del Centro Pompidou – Museo Nacional de Arte Moderno de Francia, y está a cargo de la colección de films. Es autor de Aby Warburg et l'image en mouvement (Paris,1998/ New York, 2004), Le peuple des images (Paris, 2002), Sketches. Histoire de l'art, cinéma (Paris, 2006) y de las exposiciones Comme le rêve, le dessin (Musée du Louvre/Centre Pompidou, 2002) y Le mouvement des images (Centre Pompidou, 2006).